Egon Schile 40 | Eloarte

1. Qual foi o primeiro momento em que você percebeu que a arte deixaria de ser um interesse para se tornar uma necessidade?

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Não consigo delimitar um único momento em que a arte virou necessidade, porque ela sempre esteve presente. Desde a infância, o impulso criativo se manifestava de várias formas: pintando, desenhando, escrevendo, na dança ou na música. A arte nunca foi um hobby, mas um meio de expressão vital, essa forma essencial de manifestar a criatividade que habita a criança e que continua viva no adulto.

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2. Você viveu entre Brasil, Paraguai, Bélgica e Espanha. O que cada um desses lugares deixou no seu olhar?

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Viver em países tão diversos expandiu a minha percepção sobre o comportamento humano e a cultura. Cada um desses lugares me ensinou a não encarar o mundo de forma rígida. Essa bagagem itinerante abriu meu olhar para a pluralidade e para as diferentes maneiras que as pessoas têm de se posicionar e existir no mundo.

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3. Existe uma cidade à qual você sempre retorna, mesmo quando não está nela? Quais suas lembranças de arte desta cidade?

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Por ter vivido em tantos lugares, não tenho uma única cidade de retorno. Eu me divido em estratos de memória. Cada local por onde passei deixou rastros: cores, luzes e momentos criativos que compõem quem sou hoje. Eu retorno constantemente a esse mapa de lembranças fragmentadas, e é a partir dele que construo o que expresso no papel.

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4. A primeira exposição de Joan Miró mudou alguma coisa em você. O que aconteceu naquele dia?

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Aquele dia mudou completamente a minha relação com o desenho. Eu era criança e fui à exposição acompanhada da minha tia, que estudou artes. Eu não conhecia a obra dele e, em vez de tentar entender o que as telas 'significavam', comecei a brincar de caçar figuras escondidas nas formas e linhas abstratas. Ali entendi que eu era dona do meu próprio olhar. Com essa ideia em mente, passei a rabiscar o papel só para ver o que o traço tinha para me revelar, criando composições vibrantes a partir daquilo que as linhas me sugeriam.

5. Se pudesse passar uma tarde com qualquer artista da história, quem escolheria?

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Seria um privilégio entrar no mundo interior de vários artistas, mas minha conversa ficaria entre três referências. Escolheria Jackson Pollock, por sua abstração potente e pela técnica do dripping, que dialoga diretamente com o meu uso do café e da aquarela, deixando o acaso governar a imagem enquanto o artista pinta no chão, tornando-se parte da própria tela.

Entre as mulheres, Frida Kahlo, por transformar a dor e a identidade em cura e expressão visual de forma tão visceral. E não poderia deixar de citar Tarsila do Amaral: a maneira como ela distorcia a anatomia humana reverbera na forma como enxergo o corpo, tanto no desenho de modelo vivo quanto nas minhas manchas de café, tensionando a fronteira entre o real e o imaginado.

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6. Qual livro acompanha sua trajetória há mais tempo?

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Minha trajetória é feita de fases de transição, e a minha biblioteca acompanha essas mudanças. Não tenho um único livro de cabeceira, mas um acervo que se transforma comigo: de biografias de artistas a romances e histórias em quadrinhos, passando por obras teóricas sobre psicologia e terapias alternativas, uma vez que também atuo como arteterapeuta. Cada fase da vida pede uma leitura diferente, e todas elas contribuem para o meu processo criativo.

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7. Existe um livro que você gostaria de ter lido muito antes?

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Minha lista de leituras pendentes é infinita. Gostaria de ter mergulhado antes nas obras de Clarice Lispector e, dentro do campo da psicologia e da arteterapia, há sempre leituras teóricas que eu gostaria de ter descoberto mais cedo para nutrir a minha prática clínica e artística. De qualquer forma, acredito que cada livro tem o seu momento e que, em cada fase da vida, uma leitura nos toca de uma forma diferente.

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8. Que filme mais influenciou a maneira como você constrói imagens?

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Fico entre Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças, de Michel Gondry, e O Fabuloso Destino de Amélie Poulain, de Jean-Pierre Jeunet. Do primeiro, me fascina a estética do rascunho, da sobreposição e das memórias fragmentadas onde o real e o abstrato se fundem. Do segundo, me inspira o olhar atento aos microdetalhes do cotidiano e a busca poética por figuras e significados naquilo que parece comum. Ambos os filmes constroem atmosferas que dialogam com o meu universo visual.

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9. Há algum diretor de cinema cuja fotografia ou narrativa dialogue com sua pintura?

Sofia Coppola é uma diretora cuja narrativa e estética conversam muito com o que faço. Nos filmes dela, há uma mistura fascinante entre a sensibilidade contemporânea e ambientes contemplativos, onde os diálogos são econômicos e a imagem carrega quase todo o peso da narrativa. Ela aborda a identidade, a busca interior e a solidão, especialmente no universo feminino, através de atmosferas sutis. Essa preferência pelo silêncio e pela potência do visual em vez do óbvio é exatamente o que busco traduzir na minha arte.

10. A música participa do seu ateliê? Existe um álbum que sempre volta para o processo criativo?

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A música é uma companheira constante no ateliê, embora eu também busque o silêncio absoluto em determinados momentos. Quando desenho modelo vivo, a música clássica é minha maior aliada para induzir um estado meditativo de criação e deixar as mãos trabalharem sem a interferência do pensamento racional. Já quando trabalho sozinha nas minhas criações, coloco o que me inspira naquele instante e minhas preferências transitam quase sempre entre o jazz, a bossa nova, o rock clássico e alternativo.

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11. Você desenha modelos vivos com frequência. O que existe no corpo humano que continua despertando sua curiosidade?

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Enxergo o corpo humano como uma estrutura em constante mutação. Cada corpo possui formas, ritmos e nuances próprias; observar a anatomia humana é ter a garantia de encontrar algo novo a cada olhar. Não existem corpos iguais, e mesmo um único corpo, quando observado sob outro ângulo ou outra luz, se torna uma figura completamente diferente.

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12. Muitas pessoas associam o nu à exposição. Para você, o que significa desenhar um corpo sem roupas?

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Quando me deparo com um corpo nu, o conceito de "corpo" se dissolve: eu enxergo luz, sombra, massa e volume. Obviamente, há uma pessoa ali, e onde há uma presença humana, há energia. A energia que o modelo projeta durante a pose contamina o espaço, influencia o meu gesto no papel e altera a minha percepção daquela forma.

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13. Como acontece uma sessão de modelo vivo? Existe silêncio, conversa, rapidez ou contemplação?

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É um ritual de contemplação, concentração e silêncio mútuo. Existe um respeito tácito e profundo entre quem observa e quem é observado. É um estado em que o mundo externo desaparece e permanece apenas o diálogo silencioso entre mim, o gesto e a energia de quem está posando.

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14. Você costuma dizer que o acaso faz parte do trabalho. Em que momento a obra deixa de ser sua e passa a dialogar com o material?

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A obra deixa de ser minha no instante em que permito que o material tome a palavra. Enxergo meu papel como o de um canal: eu só forneço o gesto e o olhar que completam o trabalho, mas o criador primário é o acaso.

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No modelo vivo, por exemplo, uso materiais fluídos a base de água (como nanquim e aquarela) para dar liberdade à matéria. Deixar a água e o pigmento agirem por conta própria é um exercício constante de desapego ao controle, uma filosofia confortante que tento levar não só para a arte, mas para a vida.

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15. Qual material mais desafia você hoje: carvão, nanquim, aquarela ou café? Por quê?

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A aquarela é, sem dúvida, o material mais desafiador. Ela exige uma negociação delicada entre o tempo da água, a transparência e a pigmentação. Qualquer excesso muda tudo. Contudo, é fascinante ser desafiada pelo próprio material; esse estado de incerteza me obriga a encontrar novas saídas visuais a cada mancha.

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16. Na moda, existe algum estilista, marca ou movimento estético que dialogue com seu universo visual?

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Como sou formada em Design de Moda e trabalhei por muitos anos nesse meio, vejo a vestimenta como um reflexo direto do comportamento e da identidade. Nunca me interessei por tendências impostas; assim como na arte, nossa relação com as roupas passa por fases. Hoje, alinho meu universo visual ao conceito do upcycling: a arte de ressignificar e dar nova vida ao que foi descartado. Em um mundo dominado pelo consumo descartável, prefiro usar a criatividade para recontar histórias através da matéria reaproveitada.

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17. Se pudesse levar apenas um objeto para um novo ateliê, qual seria?

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Eu levaria um material novo para ser explorado, algo que eu ainda não soubesse controlar. Um novo pigmento, uma nova superfície ou um novo suporte me daria exatamente o que preciso para dar vida àquele novo espaço: o prazer da descoberta.

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18. Qual museu você acredita que toda pessoa deveria visitar pelo menos uma vez?

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Museus como o do Louvre ou o do Prado são fundamentais pela escala histórica, mas acredito que o museu mais importante é aquele que está ao seu alcance hoje. Mais do que a grandiosidade da instituição, o essencial é manter a disponibilidade interna para ser surpreendido por uma obra de arte, seja em um grande museu internacional ou em uma pequena galeria local.

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19. O que você tem observado ou estudado atualmente que ainda não apareceu nas suas obras, mas provavelmente aparecerá?

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Tenho me dedicado à cerâmica. Trabalhar com a argila me colocou em contato com um material "vivo", que exige extrema paciência e nos obriga a lidar com a frustração. O barro se transforma no forno, com o calor e com os esmaltes, não há controle absoluto sobre o resultado final, o que me encanta. Meu objetivo para o futuro é desdobrar o meu trabalho bidimensional em tridimensionais que dialoguem com a forma e com a funcionalidade.

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20. Se alguém pudesse compreender apenas uma ideia sobre o seu trabalho, qual você gostaria que fosse?

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Gostaria que compreendessem que o que parece mero acaso é, na verdade, a emergência do meu mundo interior. Minhas obras são registros do inconsciente, assim como os sonhos. Eu não planejo previamente o que vou desenhar; deixo que a mancha me guie para que o material traga à tona aquilo que habita em mim.

É por isso que me identifico com o conceito da Art Brut: um fazer artístico desprovido de rígidas amarras técnicas formais, onde a verdadeira prioridade é a expressão crua e honesta daquilo que reside no fundo da alma.